Oswaldo Guayasamin (1919-1999) ist einer der bedeutendsten Künstler Lateinamerikas, dessen Werke in den bekanntesten Hallen der Welt ausgestellt wurden. Seine Kunst hat ein tiefes indigenes Gefühl mit einer für den amerikanischen Kontinent charakteristischen ideologischen und bildlichen Haltung: dem sozialen Realismus..
Guayasamín wurde in Quito geboren und unter den traditionellen Kanonen der Kunst ausgebildet. Er brach mit diesen Plänen, um die Realität der unterdrückten indigenen Völker Lateinamerikas sowie die Angriffe der Kolonie und die Fehlgenerierung einzufangen..
Mit einem expressionistischen Stil wurden die Kreationen dieses ecuadorianischen Künstlers von mexikanischen Wandmalern in Bezug auf Ausdruckskraft, Verwendung von Farbe und Kraft, die sie übertragen, genährt, um dem Betrachter das Gefühl der Lebensenergie des Autors zu hinterlassen und auf diese Weise Machen Sie Ihren Protest bekannt.
Neben dieser indigenen Essenz zeichnet sich seine Arbeit auch durch die Aneignung avantgardistischer Trends wie Kubismus und Expressionismus aus, ohne den Realismus zu verlieren, eine Realität der von ihm angeprangerten Gewalt zu zeigen..
Er machte beeindruckende Ausstellungen - mehr als 200 Einzelausstellungen - in den wichtigsten Museen der Welt, darunter in Frankreich, Spanien, der ehemaligen Sowjetunion, der Tschechoslowakei, Polen, Mexiko, Chile und Argentinien.
Guayasamín ist auch dafür bekannt, sich mit Persönlichkeiten von Weltklasse anzufreunden, wie dem Dichter Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, König Juan Carlos von Spanien, Gabriel García Márquez und Carolina de Mónaco, unter anderem die er porträtierte..
1991 erkannte die ecuadorianische Regierung das produktive Werk des Künstlers und seinen Beitrag zur Weltkunst an, für die er beschloss, die Guayasamín-Stiftung zu gründen, der der Maler sein gesamtes Schaffen und seine Kunstsammlungen schenkte..
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Oswaldo Guayasamín wurde am 6. Juli 1919 in Quito geboren und war der älteste Bruder in einer zehnköpfigen Familie. Sein Vater, José Miguel Guayasamín, war eine indigene Person aus dem Stamm der Quechua. während ihre Mutter, die unter dem Namen Dolores Calero bekannt war, Mestizo war.
Schon in jungen Jahren zeigte er seine Vorliebe für das Malen, indem er Karikaturen seiner Klassenkameraden anfertigte und Plakate für den Laden anfertigte, den seine Mutter betrieb. Außerdem malte er Bilder auf Pappstücke, die er an Touristen verkaufte, um für ihr Studium zu bezahlen..
Trotz des starken Widerstandes seines Vaters schrieb sich der junge Guayasamín an der School of Fine Arts in Ecuador ein, an der er 1941 sein Studium als Maler und Bildhauer abschloss, und erhielt auch die Anerkennung, der beste Schüler seiner Klasse zu sein.
Nur ein Jahr nach seinem Abschluss gelang es ihm, seine erste Ausstellung in der ecuadorianischen Hauptstadt abzuhalten. Diese Ausstellung zeichnete sich durch ihren Charakter der sozialen Denunziation aus, der bei den Teilnehmern und Kritikern der damaligen Zeit großes Aufsehen erregte.
Mit diesem besonderen Stil gelang es dem jungen Guayasamín, Nelson Rockefeller zu fesseln, der ihm mehrere Gemälde kaufte und ihn in seiner Zukunft unterstützte..
Nach dieser kontroversen Ausstellung und mit Unterstützung von Rockefeller zog Guayasamín in die USA, wo er auch seine Gemälde ausstellte. Während der sieben Monate seines Aufenthalts besuchte er alle Museen, die er in direkten Kontakt mit den Werken von El Greco, Goya, Velásquez und den mexikanischen Wandmalern Diego Rivera und Orozco bringen konnte..
Mit dem Geld, das er verdient hatte, reiste er nach Mexiko, um einen großartigen Lehrer zu treffen, den Wandmaler Orozco, der ihm, beeinflusst von seinem Talent, erlaubte, sein Assistent zu sein. Während dieses Besuchs lernte er auch Diego Rivera kennen und lernte von beiden die Technik des Malens im Freien. In Mexiko freundete er sich mit Pablo Neruda an.
1945 machte er eine bedeutsame Reise: von Mexiko nach Patagonien. Auf dieser Reise bereiste er jede Stadt und jede Stadt, um Notizen und Zeichnungen seiner ersten Serie von 103 Gemälden zu machen Huacayñan, was in Quechua "Der Weg des Weinens" bedeutet, dessen Thema sich mit dem Schwarzen, dem Inder und dem Mestizen befasst.
Auf diese Weise begann sich seine gesamte Arbeit um das Thema der Ureinwohner zu drehen, dessen Unterdrückung und Gewalt die Ureinwohner zum Opfer fielen..
Die monumentale Arbeit Die Art zu weinen Dies geschah dank der Unterstützung, die die Casa de la Cultura Guayasamín gewährte.
Diese Serie wurde 1952 zum ersten Mal in Quito im Museo de Arte Colonial und im selben Jahr in Washington und Barcelona (Spanien) während der III. Biennale Hispanoamérica de Arte ausgestellt. Bei dieser letzten Veranstaltung wurde er mit dem Hauptpreis für Malerei ausgezeichnet.
Guayasamins Arbeiten zeigen nicht nur monumentale Ausstellungen in den wichtigsten Museen der Welt, sondern sind auch in großen Konstruktionen zu sehen.
Zum Beispiel befindet sich seit 1954 im Centro Simón Bolívar in Caracas ein venezianisches Glasmosaik-Wandbild, das heißt Hommage an den Amerikaner.
Für sein Heimatland fertigte er 1958 zwei beeindruckende Wandbilder an. Das erste ist Die Entdeckung des Amazonas, ebenfalls aus venezianischem Mosaik, das sich im Regierungspalast von Quito befindet. Die andere wurde für die Rechtsfakultät der Zentraluniversität von Ecuador gemacht, die den Namen erhält Geschichte des Menschen und der Kultur.
1982 wurde am Flughafen Barajas in Madrid ein mehr als 120 Meter langes Wandgemälde eingeweiht, das Guayasamín mit Marmorstaub und Acrylfarben bemalt hatte. Dieses monumentale Werk besteht aus zwei Teilen: Der eine ist Spanien und der andere Amerika gewidmet.
Seine Arbeiten sind auch in der Unesco-Zentrale in Paris und in Sao Paulo vertreten. Seine Denkmäler schmücken auch Ecuador: In die junge Heimat ist in Guayaquil und Zum Widerstand in Quito.
Dank seiner produktiven Arbeit, seines Charakters der sozialen Denunziation und seiner universellen Bedeutung erhielt Guayasamín zahlreiche Auszeichnungen und Anerkennungen für seine Karriere.
Seine Arbeit wurde weltweit anerkannt, da er 1957 den Preis für den besten Maler Südamerikas erhielt, der von der Biennale von Sao Paulo, Brasilien, verliehen wurde. Dies war die Konsolidierung der Internationalisierung.
1976 gründete er zusammen mit seinen Kindern die Guayasamín-Stiftung, um Ecuador sein künstlerisches Erbe zu schenken. Durch diese Stiftung konnte er drei Museen organisieren: Präkolumbianische Kunst, Colonia Kunst und Zeitgenössische Kunst..
Er wurde zum Mitglied der Real Academia de Bellas Artes de San Fernando in Spanien und zum Ehrenmitglied der Academia de Artes de Italia ernannt. Er wurde außerdem 1973 zum Vizepräsidenten und später zum Präsidenten des Kulturhauses von Quito ernannt..
Darüber hinaus war er der erste lateinamerikanische Künstler, der von der französischen Regierung eine Auszeichnung erhielt. Dies geschah 1974.
Er starb am 10. März 1999, ohne sein größtes Werk zu vollenden., Die Kapelle des Menschen, Dies wurde vom Künstler als Hommage an die Menschheit, insbesondere an das lateinamerikanische Volk, konzipiert. Es ist ein in Quito erbautes Kunstmuseum, das lateinamerikanische Kunst von Mexiko nach Patagonien bringen soll.
Die Produktion von Guayasamín ist von Anfang an von seinem tiefen indigenen Geist geprägt und mit einem hohen Gehalt an sozialer Denunziation beladen. Auf diese Weise konnte er die Grenzen der traditionellen Kanone überschreiten und einer der entschiedensten Verteidiger der indigenen Völker Lateinamerikas werden..
Um seinen persönlichen Stil zu entwickeln, trank er den Einfluss der mexikanischen Wandmaler, insbesondere seines Lehrers Orozco. Er war auch ein leidenschaftlicher Vertreter des Expressionismus, der seiner gesamten Schöpfung einen humanistischen Vorteil verschaffte, indem er den Schmerz und das Leiden eines großen Teils der Menschheit widerspiegelte..
Auf diese Weise ist Guayasamins Werk Teil jener Strömung des Expressionismus, in der die expressive Realität wichtiger ist, ohne sich mit der äußeren Realität zu befassen, sondern mit den Emotionen, die sie beim Betrachter hervorruft..
Aus diesem Grund bekräftigte dieser Maler: „Mein Gemälde soll verletzen, kratzen und die Herzen der Menschen treffen. Um zu zeigen, was der Mensch gegen den Menschen tut “. Dies zeigt sich besonders in ihren entstellten und traurigen Gesichtern, die den Schmerz ihres Volkes stark vermitteln..
In diesem Sinne konzentriert sich seine Arbeit auf die menschliche Figur mit lebendigen Farben und sozialen Themen..
Obwohl er seine Arbeit an die Erfahrungen und Techniken anpasste, die ihn der Kontakt mit großen Künstlern dieser Zeit hinterlassen hatte, behielt er immer den Ausdruck menschlicher Gefühle auf seiner Leinwand bei. In seiner gesamten Schöpfung können drei Zeitalter unterschieden werden:
Die Guayasamín-Stiftung hat es geschafft, einige der ersten Kreationen des Künstlers zu sammeln, die im Alter von 7 Jahren mit dem Malen und Zeichnen begannen. Als er im Alter von 12 Jahren die School of Fine Arts betrat, faszinierte er Lehrer und Klassenkameraden mit seiner Virtuosität. Bereits in diesem Alter begann er, an dem sozialen Thema zu arbeiten, das später seine gesamte Karriere kennzeichnete.
Was als erste Stufe betrachtet wird, ist die erste Serie: The Road of Crying.
Diese Etappe findet zwischen 1945 und 1952 statt und konzentriert sich hauptsächlich auf die Reise, die er mit seinen Freunden durch Südamerika unternahm, auf der er jede Stadt besuchte, um ihre Realität zu erfassen..
Dank der Notizen und Zeichnungen, die er während der Reise machte, vermachte er der Welt Huacayñan oder Die Art zu weinen, seine erste Serie von 103 Gemälden, in denen er das Problem der Indianer, Schwarzen und Mestizen durch universelle Archetypen einfängt, die in Umgebungen mit Ahnen-Symbolen wie Mond, Sonne und Bergen erscheinen.
Mit all ihrer universellen symbolischen Last war diese Serie diejenige, die ihr einen Platz in der Weltkunst gab.
In dieser Phase, die er in den 60er Jahren entwickelte, zeigte Guayasamín, dass der ästhetische Inhalt nicht das ist, was in seiner Arbeit wichtig ist, sondern der soziale Inhalt, die Botschaft eines Mannes gegen Unterdrückung, Gewalt und Leiden.
Der Ursprung dieser Beschwerde geht auf die Zeit zurück, als in seiner Jugend ein Freund aus Kindertagen durch die Repression in Quito ermordet wurde. Von dort aus unternahm der Künstler den Kreuzzug, um die Gewalt des Menschen gegen den Menschen darzustellen, um eine Botschaft der Rebellion zu hinterlassen und gegen die Entfremdung zu kämpfen..
Diese Rebellion zeigt sich in den Augen seiner Figuren, die nach einer Veränderung rufen. Ihre Figuren haben trotz der Gelassenheit, die sie zeigen, eine Grimasse des Schmerzes, ihre Hände schreien nach Hoffnung. All dies spiegelt sich in großen vertikalen Strichen wider, um den Schmerz weiter zu markieren.
Mit dieser Arbeit erschütterte Guayasamín die Welt, indem er die Grausamkeit des Menschen im 20. Jahrhundert aufdeckte. Aus diesem Grund gelang es ihm, in den wichtigsten westlichen Städten der Welt auszustellen, was sowohl bei Kritikern als auch in der Gemeinde für Aufsehen sorgte..
Dieser Zyklus begann in den achtziger Jahren als Hommage an seine Mutter, eine transzendentale Figur in seinem Leben, der er seine Liebe und Dankbarkeit dafür erklärte, ihn immer unterstützt zu haben..
Diese Serie markiert eine Veränderung in der Arbeit des Künstlers, ohne dass die Figuren, die jetzt gelassener als zuvor sind, in irgendeiner Weise ihre Botschaft der Denunziation und Kritik verlieren..
Das Zeitalter der Zärtlichkeit oder Solange ich lebe, erinnere ich mich immer an dich, Es besteht aus 100 Werken, deren Zentrum eine Hommage an seine Mutter ist; in der Tat bezieht es sich im Allgemeinen auf die Mutterfigur einschließlich Mutter Erde.
Dieses Ensemble gilt auch als Hymne an die Menschenrechte. Es ist das letzte Werk, das ihn von 1988 bis 1999 beschäftigte.
Aufgrund seines besonderen ästhetischen Stils, aber vor allem aufgrund seines Themas, eine Botschaft der Rebellion zu hinterlassen und die Menschheit anzuprangern, gelang es Guayasamín mit seiner Kunst, die Grenzen seiner Heimat Ecuador zu überschreiten und einen Ehrenplatz in den universellen Künsten einzunehmen.
Dies war der Tatsache zu verdanken, dass seine Schöpfung eine besondere Ausdruckskraft für die Zeit hat, die er leben musste, um eine Botschaft zu übermitteln, die das Gewissen der Menschheit erweckte und es schaffte, den Schrei der Rebellion zu erzeugen..
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